Ein Aquarell gewinnt seine Tiefe durch Wasser und Pigment, ein RAW-Foto aus meiner Sony erst durch einen einzigen Regler, den ich lange unterschätzt habe: die Luminanz im HSL-Panel von Lightroom. Beide Wege führen zum gleichen Ziel, nur die Technik dahinter ist komplett verschieden, und genau diese Übersetzung zwischen Illustration und Farbbearbeitung ist seit zwei Jahren mein fester Lightroom-Workflow für Familienfotos, seit ich das Fotografieren neben meinen Kinderbuch-Illustrationen als zweites Standbein aufgebaut habe.
Vorher habe ich es mir leicht gemacht: die automatischen KI-Korrektionen in Lightroom Mobile einfach übernommen, ungeprüft, weil ich dachte, Software liest Licht objektiver als ich. Die Bilder kamen glatt raus, aber flach – als hätte jemand die Wasserfarbe mit zu viel Wasser verdünnt, kein Gewicht, keine Kante, nichts von dem, was meine Illustrationen ausmacht.
Der Luminanz-Regler wird zu meinem digitalen Pinselbecher
Also zurück auf Anfang: Die automatischen Vorschläge sind aus, und ich fange seitdem bei den 8 Farbkanälen im HSL-Panel an, von Rot bis Magenta, jeder mit einem eigenen Luminanz-Schieber zwischen minus hundert und plus hundert. Das ist inzwischen mein digitaler Pinselbecher. Er bestimmt nicht, wie hell das ganze Bild wirkt, sondern wie viel Licht in einer einzelnen Farbe steckt – genau wie beim Aquarellieren, wo die Wassermenge entscheidet, wie viel Pigment eine Fläche trägt.
Am Händelplatz, unter der Kastanienallee, habe ich das zum ersten Mal richtig gespürt. Das Herbstlicht fiel schräg durch Blätter, die schon halb bronzefarben waren, und die Fotos vom Nachmittag wirkten auf dem Bildschirm trotzdem platt. Ich habe die Luminanz für Grün und Gelb ein Stück nach links geschoben, und das Laub bekam auf einmal Gewicht, nicht dunkler im Sinne von trüb, sondern schwerer, so als läge mehr Pigment auf dem Papier. Die Lichtkante an den Schultern der Personen im Vordergrund trat klarer hervor, weil der Hintergrund an Leuchtkraft verlor, die Farbe aber blieb: genau der sanfte Aquarell-Look, den ich sonst in meinen Illustrationen suche.
Warum ich am Orange-Regler kaum noch drehe
Anders sieht es bei Haut aus. Orange steuert fast jeden Hautton im Bild, und wer den Regler zu weit nach unten zieht, verliert schnell die Lebendigkeit im Gesicht – ein Kapitel für sich, das ich hier nicht aufdröseln will, weil es sein eigenes Tagebuch verdient. Für mich reicht die Faustregel: Die Umgebung darf schwerer werden, die Haut bleibt hell. Den Orange-Schieber lasse ich deshalb meistens in Ruhe oder schiebe ihn minimal ins Plus, während der Rest des Bildes an Tiefe gewinnt.
Leila, eine befreundete Fotografin aus Halle, hat letzte Woche über meine Schulter geschaut, als ich genau daran gesessen habe. Sie macht das hauptberuflich, Hochzeiten und Editorial, und trotzdem meinte sie, mein Blick auf Licht sei anders als bei den meisten Fotografinnen, die sie kennt – mehr Fläche und Gewicht als Belichtung und Schärfe. Das hat mich bestätigt, dass der Umweg über die Illustration kein Nachteil ist, sondern einfach ein anderer Zugang zum selben Bild.
Zwischen Aquarellpalette und HSL-Panel: mein Workflow
Mein Workflow bleibt trotzdem simpel. Ein deutsches Preset-Paket liefert die Basis – geladen für Lottes Keramik-Lifestyle-Fotos, dieselbe Serie, aus der inzwischen auch die Familienmomente stammen, die sie für ihren Newsletter braucht –, und danach kommt die Feinarbeit im HSL-Panel, immer nach Gefühl, nie nach Formel. Kurz schaue ich mir noch die Tonalität im Histogramm an, mehr zur Kontrolle als zur Anleitung, dann übernimmt die Hand.
Irgendwann habe ich den Vorher-Nachher-Regler auf dem iPad zweimal hin- und hergeschoben, und beim zweiten Durchgang blieb ich hängen: Auf einmal sah das Bild aus wie feuchtes Aquarellpapier, kurz bevor die Farbe einzieht, dieses satte, schwere Leuchten. Acht Wochen bewusstes Training mit dem Luminanz-Regler liegen inzwischen hinter mir, und der Griff sitzt im Handgelenk, ungefähr so, wie ein Pinselstrich irgendwann nicht mehr überlegt werden muss. Zwei Stunden Bearbeitung stecken manchmal zuerst im eigenen Körper, bevor sie im Bild sichtbar werden – erst beim Aufstehen habe ich gemerkt, wie warm das Aluminium unter meinem linken Arm inzwischen geworden war.
Luminanz gezielt einsetzen, Hauttöne in Ruhe lassen
Diese Zurückhaltung bei Hauttönen kenne ich inzwischen auch von anderen Außenaufträgen, selbst bei den authentische Gartenfotos, wo dasselbe Prinzip gilt: Tiefe darf die Umgebung tragen, nicht die Gesichter. Was von den acht Wochen bewusster Arbeit am Luminanz-Regler bleibt, ist genau diese eine Regel, die ich jetzt in jedes Shooting mitnehme – Farbe bekommt Gewicht dort, wo sie Raum schafft, und bleibt leicht dort, wo Menschen in die Kamera blicken. Kein Preset ersetzt das, und keine automatische Korrektur trifft diese Entscheidung so genau wie ein Auge, das gewohnt ist, mit Pigment statt mit Pixeln zu denken.