24,3 Megapixel bringt die alte Sony Alpha 6000 aus dem Studium mit, und genau das war neulich das Problem bei einer Familienfotografie-Session draußen. Auf dem Marktplatz in Halle, Nordseite, dort wo der Schatten der Marktkirche über das Pflaster fällt, hat der Sensor jedes Detail eingefangen, das im Bild nichts zu suchen hatte – eine grellorangefarbene Warnbake vor einem Marktstand, direkt zwischen Lottes Tochter und dem Hintergrund. Lotte, die Keramikerin aus dem Maker-Space, hatte mich um ein paar Familienfotos für ihren Newsletter gebeten. Kein Studio. Einfach ein Nachmittag draußen – und danach, in der Bildbearbeitung, die Frage, wie ich dieses eine störende Element wieder aus dem Illustrator-Look herausbekomme, den ich für ihre Fotos will.
Wann ein Element wirklich stört – und wann nicht
Als Illustratorin ordne ich Bildräume, bevor ich überhaupt zur Kamera greife. Jeder Strich in einer Kinderbuchseite sitzt an einer Stelle, die ich vorher entschieden habe, jede Linienführung lenkt den Blick genau dahin, wo die Geschichte ihn haben will. Fotografie funktioniert andersherum: Die Realität liefert erst das Bild, und ich entscheide danach, was davon bleiben darf. Die Frage, die ich mir bei jedem störenden Element stelle, ist einfach – zieht es den Blick vom Gesicht weg, oder bricht es die Linie, der das Auge sonst folgen würde? Nur wenn beides zutrifft, greife ich ein.
Der Crop-Faktor der kleinen Sony macht das noch deutlicher, als man im Sucher ahnt – ein Detail, das beim Blick durchs Okular nebensächlich wirkte, sitzt auf dem Bildschirm plötzlich mitten im Zentrum. Bei der Warnbake auf dem Marktplatz war genau das der Fall. Aus zwei Metern Entfernung kaum wahrgenommen, auf dem MacBook nicht mehr zu übersehen.
Der Kopierstempel und seine Grenzen
Ich habe es zuerst mit dem klassischen Kopierstempel versucht. Frustrierend. Das Prinzip kenne ich vom digitalen Malen, aber auf Fotos kippt es schnell ins Unnatürliche. Ein Klick auf das Pflaster, ein Klick auf die Warnbake – und im Boden entstand ein Muster, das aussah wie schlecht geklebte Tapete. Die Textur wiederholte sich, die Fläche wirkte bearbeitet, genau das, was ich vermeiden will.
Das hängt eng mit dem zusammen, was ich zu Vordergrund und die Tiefe in meinen Familienporträts geschrieben habe: Wer mit dem Stempel radiert, verliert oft genau die Kanten, die dem Bild Räumlichkeit geben. Im Frühling hatte ich kurz überlegt, mir eine Studio-Blitzanlage auf Raten zuzulegen, um solche Störfaktoren schon beim Fotografieren durch kontrolliertes Licht kleinzuhalten. Ich habe es gelassen. Eine Anlage hätte mich in ein Studio-Denken gezwungen, das nicht zu der Art passt, wie ich am Marktplatz oder sonst draußen arbeite – das eigentliche Problem, störende Elemente im Nachhinein sauber zu lösen, wäre trotzdem geblieben.
Generatives Entfernen: der Ablauf
Adobe Firefly ist inzwischen fest in Lightroom eingebaut, unter dem Namen „Generatives Entfernen". Der Ablauf ist unspektakulär: Fläche markieren, kurz warten, das Ergebnis prüfen. Was die Funktion von einem einfachen Stempel unterscheidet, ist der Kontext – das Werkzeug analysiert Himmel, Pflaster oder Schatten rund um die markierte Stelle und ergänzt danach, statt einfach nur Pixel zu verschieben.
Bei der Warnbake auf dem Marktplatz habe ich das auf dem iPad gemacht, über den mobiler Workflow für Familienfotos, mit dem Apple Pencil direkt über die Fläche gezeichnet. Im Hintergrund hört man kurz die externe Platte aufheulen, ein feines Surren, während Lightroom die RAW-Dateien vom Shooting einliest und die Vorschauen aufbaut. Das Ergebnis kam nach ein paar Sekunden: Das Pflaster lief weiter, der Schatten der Marktkirche fiel in dieselbe Richtung wie vorher. Kein Flicken, keine Naht.
Leila, die in Halle und Leipzig als Fotografin unterwegs ist, hat sich neulich über meine Schulter gebeugt, während ich genau das kontrolliert habe. Sie meinte, sie würde nie zuerst auf den Schattenverlauf schauen, bevor sie ein Ergebnis freigibt. Für sie klingt das nach einer Marotte aus der Illustration. Vielleicht ist es das auch. Aber genau diese Kontrolle entscheidet, ob ein entferntes Element wirklich verschwindet oder nur überklebt wirkt.
Drei Kriterien für die Bildbearbeitung, bevor du etwas entfernst
Drei Fragen helfen mir inzwischen, bevor der Pinsel überhaupt ansetzt. Zieht das Element den Blick vom Gesicht weg, oder bleibt es Nebensache? Passt die Kante, die nach dem Entfernen entsteht, zur Lichtrichtung im restlichen Bild? Und würde das Element, ließe ich es stehen, dem Foto tatsächlich Tiefe geben, oder stört es einfach nur? Nur wenn die erste Frage mit Ja beantwortet ist und die letzten beiden mit Nein, kommt das Werkzeug zum Einsatz.
Ein Beispiel dafür ist ein Foto von Lottes Tochter, das eigentlich unbrauchbar sein sollte: Sie ist genau im Moment des Auslösens losgerannt, die Kontur ist leicht verwischt. Behalten habe ich es trotzdem, weil das Licht auf ihrem Rücken exakt die Wärme hatte, die ich sonst mühsam über die Tonwertkorrektur nachbaue. Wäre ich streng nach Schärfe gegangen, hätte ich das Bild gelöscht. Nach der dritten Frage blieb es.
Ob ein Schatten zu hart wirkt oder ein Lichtsaum am Haaransatz zu viel Aufmerksamkeit zieht, entscheide ich selten am ganzen Bild. Meistens reicht eine punktuelle, lokale Korrektur an genau der Stelle, die stört. Auch der Bildausschnitt spielt mit rein: Manchmal löst ein engerer Schnitt das Problem schneller als jede Retusche. Und wie viel Kontrast eine Marktplatz-Szene trägt, hängt eng mit der Belichtung und dem Kontrast in meinem Illustrator-Stil zusammen, die ich intuitiv setze, nicht nach Schema.
Wo Weglassen zu weit geht
Ein komplett leeres Bild wirkt schnell steril. In meinen Illustrationen bleibt manchmal eine Linie unsauber, ein Klecks stehen. Das gibt Charakter, keinen Fehler. Bei Fotos ist es ähnlich: Ein unscharfer Ast am Bildrand, der das Gesicht der Mutter einrahmt, bleibt öfter stehen, als er verschwindet. Sauber heißt für mich nicht leer. Sauber heißt, dass jedes Element im Bild eine Aufgabe hat. Der Rest geht – das ist für mich der Illustrator-Look.